ANGÚSTIA EM TESTAMENTO: LUCAS VERZOLA FALA SOBRE O LIVRO "INFELIZES À SUA MANEIRA"

“Todas as famílias felizes se parecem, mas cada família infeliz é infeliz à sua maneira”. Esta frase de abertura do romance Anna Karenina, de Tolstói, inspira o título de Infelizes à sua maneira, livro mais recente do brasileiro Lucas Verzola, publicado pela editora Incompleta em 2024. Encadernado com espiral em projeto gráfico que sugere um velho álbum de fotografias, o projeto apresenta imagens retiradas do acervo familiar do autor junto a textos em prosa com extensão de até quatro páginas cada.

  

Os textos são também instantes narrativos. Fizeram eu me lembrar de uma ideia do cineasta alemão Wim Wenders, para quem a verdadeira natureza do enquadramento reside no que é deixado de fora da imagem, não no que é revelado. As breves histórias escritas por Lucas Verzola têm também esse potencial de serem fragmentos de algo maior ao mesmo tempo que atuam como recortes pelos quais conhecemos mais a intenção do autor do que sobre uma dada realidade.

Tal intenção é ousada: profanar as sacrossantas histórias familiares (as suas próprias, no caso). E nesse sentido Lucas Verzola traduz aquela inspiração russa para um contexto brasileiro que resvala em Nelson Rodrigues, explicitando hipocrisias, descaracterizando moralismos disfarçados de tradição, escarafunchando violências recatadas e do lar, fuxicando escândalos íntimos. 

Qualquer semelhança com as histórias reais dos leitores não é mera coincidência. O que nos faz pensar que talvez as infelicidades não sejam assim tão singulares quanto lemos naquele antigo romance de Tolstói — também elas se parecem.  

 

“Então, essa é a graça da humanidade. A gente está sempre andando e sempre no mesmo lugar.”

Infelizes à sua maneira, Lucas Verzola

  

A seguir, o autor responde a algumas questões sobre o livro. 

Assim como os personagens mudam de foto para foto, também os narradores são outros a cada história. A voz por vezes é feminina ou masculina em primeira pessoa, de variadas idades, tempos e classes sociais, outras vezes narra de fora, como observadora. Isso resulta em um livro de contos que se conectam e poderiam ser fragmentos de uma história maior. Projetos coerentes assim se destacam num universo em que as coletâneas, de modo geral, não apresentam grande entrosamento entre as partes. Você já tinha feito isso antes, no Em conflito com a Lei (Reformatório, 2016), em que as narrativas compartilham o contexto do acolhimento de menores na Fundação Casa. Nesse sentido, como foi planejar e executar esse projeto novo? 

Fico feliz que você tenha feito a associação com Em conflito com a lei. Na minha concepção, os dois livros são de alguma forma parentes, com o perdão de permanecer no léxico familiar. Ambos partem de uma premissa temática explícita, mas o que mais os aproxima é minha compreensão de que a obra final só vai dar conta de oferecer uma pluralidade de vozes e de perspectivas — e assim criar o efeito de mosaico que busquei nos dois projetos — se entregar igualmente uma variedade de experiências estéticas. Assim, ainda que haja um metanarrador que copila todas as histórias e reúne em um álbum, cada conto em particular tem sua própria voz, que o autor só descobre quando mergulha na fotografia-espelho para fuçar no que será explorado. Essa compreensão só aconteceu depois que eu já havia escrito alguns dos contos.

Eu sabia que queria explorar histórias familiares e as fotografias sempre me pareceram pontos de partida interessantíssimos. Vários autores contemporâneos trabalharam assim, basta citar o livro de poemas Álbum, da Ana Elisa Ribeiro, e o romance Saia da frente do meu sol, do Felipe Charbel. Mas o Bruno Zeni tem um conto, publicado no jornal Cândido, que foi a minha principal influência. Ele descreve em detalhes uma foto do pai com os avós e especula muita coisa — enfim, bons contos não são passíveis de resumo –, o que tinha a ver com as investigações que eu desejava desenvolver. Eu até tentei imitar, como exercício, o que o Zeni fez com fotos minhas, mas não gostei do resultado e deixei meio de lado. Quando o editor Cassiano Viana, um grande amigo, me convidou para escrever um texto que se relacionasse de alguma forma com o universo das fotografias, eu retomei o projeto, mas precisei entender aonde queria chegar. A partir dessa compreensão, tive uma fase criativa muito boa e não demorei para reunir uma quantidade de contos que podiam compor um livro, que desde sempre foi imaginado enquanto um objeto artístico. Eu jamais cogitei levar as duplas de texto e imagem para um livro tradicional.

Embora o livro traga duplas formadas quase sempre por uma foto e um texto, este não é descrição, legenda ou comentário daquela, chegando mesmo a ser uma imagem outra, distorcida, até uma contradição. Como você lidou com essa relação entre a imagem e a narrativa em prosa, de modo que pudessem aparecer lado a lado nas páginas do Infelizes à sua maneira?

Escrever sobre imagens, a partir de fotos ou até mesmo ter uma imagem ilustrando um texto são agires estéticos diferentes. E eu decidi outro caminho: escrever contra fotografias. Claro que informalmente eu sigo dizendo que os textos partem das fotos, o que é mais fácil de explicar, mas a verdade é que o que me moveu foi a criação ficcional e que os elementos fotográficos compõem — e não ilustram — a criação literária. Personagens são inventados tanto no texto como na foto, e ao mesmo tempo em que minha ação procurava enquadrar os contos como se fotografias fossem, eu também desejava transformar as fotografias em ficção. Falamos muito em borrar as fronteiras dos gêneros literários para explorar novas formas e entender como cada história pode ser contada — e eu fiz bastante isso em Em conflito com a lei –, mas o passo que eu tentei dar aqui foi além, foi tentar borrar as fronteiras entre dois domínios artísticos: a fotografia e a literatura. O que uma pode emprestar para a outra? Essa pergunta foi uma das que me orientaram durante a execução do projeto.

As imagens foram selecionadas do seu acervo familiar. Você conhece e de fato se inspirou nas pessoas retratadas? Em que medida tomou liberdades para criar ficções ou se manteve fiel a uma narrativa já estabelecida sobre este ou aquele familiar? Também me interessa saber como você pensa essa transferência de um material íntimo para a esfera pública.

Vou começar pelo final, porque é algo em que penso muito desde que mergulhei no projeto. Hoje em dia, as manifestações artísticas que mais me interessam são justamente as que constroem, de alguma forma, pontes entre o material íntimo e a esfera pública, para ficar nos termos que você usou. Nos últimos tempos, o debate sobre a autoficção voltou à tona, sobretudo com o Nobel da Annie Ernaux e o fenômeno pop do Édouard Louis. Apesar de gostar bastante dos dois autores, o exemplo mais cortante de autoficção com que me deparei nos últimos anos foi Triste tigre, da também francesa Neige Sinno, que saiu há uns dois meses pela Record. Não vou dizer que a recepção tenha sido absolutamente pequena — até porque ela foi publicada por uma editora grande, esteve na programação principal da Flip e vem sendo resenhada em veículos relevantes –, mas não bombou tanto quanto os compatriotas. Enfim, para não me alongar, quero dizer que ela parte de uma experiência pessoal extremamente traumatizante — o estupro seriado praticado pelo padrasto — para criar uma literatura reflexiva e dialogar não só com experiências de outras pessoas, como também com violências estruturais.

Fazer arte é construir diálogos e, como um escritor do meu tempo, eu tento entender quais são os pontos de reflexão que fazem sentido e que também jogam com os meus interesses. No Brasil, existe uma tradição de livros e filmes que tratam da ditadura civil-militar e, se você olhar bem, os mais interessantes são os que entendem quais são as feridas que permanecem abertas, gerando traumas transgeracionais. Eu nasci sob o signo da dita democracia, mas sofro as consequências da não responsabilização dos comandantes e torturadores do período ditatorial.

O artista em geral e o escritor em específico é um intelectual público por definição — a não ser que você escreva diários confessionais e não deseje ser lido. E eu não deixo de ser artista quando fecho o computador e paro de escrever a cota do dia. Estou sempre observando, pensando, explorando, me posicionando de uma forma em que o agir-artístico sempre me guia. Claro que existem e sempre existirão camadas invioláveis de intimidade, mas essa transferência de assuntos familiares, que acontecem por excelência entre quatro paredes, para o domínio público é uma performance que me interessa, porque coloca em xeque diversos alicerces da família. Assim, a crítica à estrutura familiar, sobretudo a clássica, ocorre não só na esfera do discurso e seu conteúdo, mas também na sua forma quando eu decido abrir as caixas de sapato em que estavam as fotografias da minha família e convidar o leitor para folhear os álbuns.

Sobre conhecer as pessoas retratadas, hoje eu sei quem são praticamente todos. Mesmo aqueles de cujo nome não me lembro, sei mais ou menos quem são, de que lado da família vêm etc. E, não, não houve nenhuma inspiração direta nas pessoas reais além do que consta na foto. Claro, dependendo da fisionomia e do semblante, da expressão corporal, enfim, de como a pessoa se posiciona ao posar para um retrato ou ser flagrada pelo fotógrafo, já é possível deduzir muito sobre ela, mas não quis me basear fielmente nas histórias dos meus parentes.

Além das fotografias, você usou documentos, tais como carteira de saúde, nota de falecimento, uma nota fiscal. Qual é a diferença entre eles e as fotografias, em especial quanto ao potencial narrativo?

Aí eu preciso te confessar que esses outros elementos gráficos não estavam originalmente nos contos, antes da reunião no livro-álbum. O grosso da criação ficcional se deu à revelia da existência desses documentos, que foram incorporados ao livro já na etapa de edição.

Mas, claro, eles só foram incluídos porque de alguma forma dialogavam com o universo que construí em conjunto dos editores (Laura Del Rey e Victor Pedrosa Paixão) e da artista responsável pela parte gráfica (Letícia Lampert), que considero coautores do projeto.

Existe uma sutil separação do livro em duas partes bastante desiguais. Tudo o que falei até agora é verdade, menos em relação aos quatro últimos contos — esses sim com elementos biográficos dos meus quatro avós. Para fazer essa divisão, escolhemos a nota fiscal à qual você fez menção porque ela em si já conta uma história — de um final de semana que meus avós passaram em um hotel — e tem um erro no nome do meu avô (em vez de Poty, está Pery). Achamos que ela tinha tudo a ver com a transição da ficção mais dura para os textos finais, que se baseiam em fatos ditos reais.

E, sim, vejo toda a potencialidade nesses documentos familiares e, diante deles, me sinto como um historiador torto disposto a contar uma história inventada, que reflete, de alguma forma, a história do país. Não explorei tanto assim esses elementos em Infelizes à sua maneira, mas essa nota fiscal reaparecerá em um livro futuro.

Ainda que as breves cenas retratadas na escrita tenham foco nos personagens, há todo um contexto histórico que os acompanha. Você buscou outras fontes de pesquisa para situar as narrativas? Como lidou com esse processo?

Não houve exatamente uma pesquisa histórica direcionada para a criação das histórias, mas eu atribuí os contextos que já conhecia previamente. Quando escrevi a partir — vocês já sabem que não foi exatamente a partir — de uma foto colorida do começo dos anos 70, resolvi localizá-la temporalmente no período da Copa do Mundo do México, porque coincide com as primeiras transmissões em cores do torneio. Então criei um personagem que está fascinado pela possibilidade de assistir a uma transmissão colorida — o segredo aqui é que, no Brasil, a TV em cores só chegaria dois anos depois, mas já disse que o que me orienta é a ficção. De qualquer forma, a gente sabe que a participação da Seleção Brasileira nessa Copa foi sequestrada pelos militares, que a usaram como propaganda do regime. Paralelamente a isso, rolava a Guerrilha do Araguaia. Uma coisa vai puxando a outra e tudo isso está condensado no mesmo conto.

Seus escritos, conforme a nota ao fim do livro, são “assombrados” pelas fotografias de sua família. Pensando agora como artista que se dispõe a essa tarefa de remexer o passado, qual foi o esforço emocional que o projeto demandou?

Quanto mais eu me aproximava dos quatro textos com elementos biográficos — que desde e o início do projeto eu já sabia que escreveria e que encerrariam o livro –, mais envolvido emocionalmente eu ficava, o que não significa que não tenha sido impactado pelas fotos que geraram construções amplamente ficcionais.

Mesmo sem conhecer pessoalmente boa parte das pessoas retratadas, a gente não mexe no passado e fica impune. Então, ainda que eu construísse histórias completamente diferentes da vida real, aqueles personagens me acompanhavam por certo período e nem sempre foi fácil me despedir deles.

Mas mais do que minha relação pessoal com os familiares retratados — afinal, boa parte eu sequer conheci –, o que pegava mesmo era quando eu tentava entender como as questões essenciais que eu investigava poderia tê-los afetado. As feridas abertas, os traumas transgeracionais, as chagas que se repetem, ainda que por um capricho atávico tenham se escondido por um tempo. Pensar no homem que sou hoje como herdeiro das angústias dos que vieram antes. Aquilo que de mais nefasto eu reproduzo, aquilo que consegui interromper. Tentar entender do que dá e do que não dá pra escapar. Bom, basicamente toda a minha literatura se funda nesse questionamento. Mas isso é assunto pra outro papo.

ENTREVISTA COM EDUARDO A. A. ALMEIDA

Em conversa com Jardel Oliveira, o escritor paulista conta sobre como a escrita chegou à sua vida, seu processo criativo, a sensação de ver seu primeiro livro impresso e muito mais. A entrevista foi publicada originalmente no Instagram @eujardeloliveira.

1. Como e quando a escrita chegou na sua vida?

Não sei se existiu um momento específico. Ela veio chegando e, quando percebi, já estava. Mas com certeza veio chegando pelas leituras. Sou leitor convicto muito antes de ser escritor, e tenho lembranças bastante antigas, da minha primeira infância, já acompanhadas de livros. Depois, as histórias em quadrinhos vieram se somar às leituras frequentes. Meio que naturalmente tive o desejo de escrever, em parte estimulado por atividades escolares. Produzi alguns livrinho assim, na época. Foi importante para começar a pensar como funcionava o outro lado do balcão. E os escritos passaram a me acompanhar também, junto das leituras. Eu escrevia minhas próprias histórias e copiava frases, parágrafos, trechos de livros de que gostava. Isso tudo sem qualquer pretensão de me profissionalizar, eram hábitos de um leitor apaixonado, que tinha nos textos um prazer e uma forma de expressão. Segui assim por bastante tempo, fiz alguns cursos, passei a ler sobre o ofício e a escrever textos mais longos. Então, comecei a estruturar obras de ficção propriamente ditas, inaugurei uma coluna em jornal, escrevi publicidade, criei meu blog. Comecei a ter o desejo de vir a público. Só depois, bem depois mesmo, com mais de década já trabalhando como redator é que consegui me assumir escritor. Foi um marco importante. Eu me lembro da primeira vez em que coloquei isso em voz alta, durante minha apresentação pessoal no início de um curso, diante da classe cheia: meu nome é Eduardo, sou escritor. Falei meio tímido, aquilo soava estranho para mim, mas verdadeiro. Eu já tinha passado dos trinta anos de idade.

2. Como a escrita impacta sua vida cotidiana e suas relações pessoais?

Bom, eu vivo da escrita há bastante tempo, então ela impacta praticamente todos os aspectos da minha vida. Minha rotina de trabalho, meus alunos, clientes e amigos, meus colegas de ofício nas áreas de redação, comunicação, edição, revisão, criação literária, pesquisa, assessoria para projetos, docência, crítica, enfim, todos os serviços que ofereço estão relacionados com a escrita. Mas é claro que tenho vários outros interesses: música, viagens, gastronomia, ciência, artes visuais... Interesses que, no fim das contas, acabam alimentando aquele primeiro. À sua maneira, tudo se conecta.

3. Como você descreve seu processo de escrita? Você segue uma rotina ou escreve quando sente inspiração?

Sei que você se refere ao processo de criação literária, mas eu entendo a escrita num sentido mais amplo, no qual a literatura é apenas uma fatia. Isso implica ter processos bastante variados. E digo isso para desmistificar certa aura de escritor que ainda assombra muitos aspirantes. Escrevo por demanda, por necessidade, por vontade própria, contra a minha vontade, por obrigação ou por prazer ou por ambos. É assim que produzo roteiros, dramaturgias, comunicações, ensaios, relatórios, críticas, livros etc. Pensando especificamente na literatura, em geral eu deixo a guarda baixa. Passo meses sem escrever nada, quando o foco está em outras atividades. Mas, por razão quase sempre desconhecida, algum assunto ou ideia atiça o desejo e abre espaço na minha rotina. Então eu passo a me dedicar àquilo. Em geral, isso acontece quando tiro férias e as demandas do dia a dia ficam menos exigentes. Quer dizer, sem muito método ou consciência, vou gestando ideias ao longo do ano, tomando notas, imaginando possibilidades, esboçando projetos. E quando aparece um momento mais longo de ociosidade, a coisa me toma e ganha forma. Eu não chamaria de inspiração. Diria que as criações literárias vão me acompanhando, pedindo atenção, até a hora em que de fato eu posso acolhê-los devidamente. Esses ímpetos criativos são raros e tortuosos. Tenho mais apreço pela reescrita, pela lapidação, que é, ao meu ver, de onde vem a qualidade literária.

4. Você pode contar um pouco sobre seu livro mais recente?

Em meados de 2024, a editora Laranja Original publicou o meu “Museu de Arte Efêmera”. Ele contém três histórias distintas que trazem em comum a temática da memória. A memória como forma de elaborar a vida, como marca traumática e como resistência diante do esquecimento. Esses textos eram, a princípio, peças de teatro que escrevi durante minha passagem pelo Núcleo de Dramaturgia do SESI / British Council. Alguns anos depois, percebi que elas poderiam se apresentar juntas. E para isso, quer dizer, para que deixassem de ser dramaturgias autônomas e se tornassem um livro de prosa ficcional, eu retrabalhei os textos. Foi necessária uma adequação de linguagem bastante radical. E o resultado é algo que por vezes se aproxima da poesia, outras vezes da prosa, outras, ainda, dos palcos. Na falta de termo melhor, o livro se classifica como uma reunião de contos. O primeiro deles, chamado “Luminescências”, traz algo do teatro do absurdo para falar sobre violências de mulheres e homens no dia a dia. O segundo, “Eterno Retorno”, fala de um sujeito que não consegue se livrar nem assumir a culpa de ter provocado um acidente de automóvel. Por fim, “Museu de Arte Efêmera de Lethe” traz um diálogo com a tragédia clássica ao falar de uma menina afogada, da qual ninguém consegue se lembrar, e com isso traz à tona outras histórias de violência também esquecidas; é um embate entre o fardo de recordar e as consequências de ignorar as tragédias que nos afligem.

5. Qual foi o momento mais gratificante ou emocionante da sua carreira até agora?

Quando Henrique Rodrigues, então coordenador do Prêmio Sesc, me telefonou para informar que eu receberia uma Menção Honrosa pelo original do romance “Diante dos meus olhos”. Eu não tinha nenhum livro solo publicado até aquele momento, e já trabalhava nesse texto havia vários anos. Foi emocionante receber a notícia. Também fiquei entusiasmado com a possibilidade de finalmente publicá-lo, coisa que, apesar de tudo, só aconteceu três anos depois, com a seleção do projeto num edital da Prefeitura da Cidade de São Paulo.

6. O que você acha do mercado literário atual? Que mudanças você gostaria de ver?

Tenho impressões que talvez vão na contramão do que costumamos ouvir por aí. Eu adoraria que o Brasil fosse um país de mais leitores, sem dúvida. Mas vejo quase sempre as pessoas discutindo números e quase nunca a qualidade do que se produz e lê. Imagino que nunca se produziu tanta literatura quanto atualmente, e isso se amplia de maneira considerável se formos além dos livros para os blogs, redes sociais, plataformas digitais de autopublicação etc. Contudo, a qualidade dos textos é, de maneira geral, medíocre. Por que ler textos ruins em vez de ouvir música, assistir cinema, pedalar, comer uma pizza com os amigos? Quer dizer, como brigar com essa concorrência? As opções de atividades socioculturais e até mesmo de teor estético são diversas, enquanto o tempo para nos dedicarmos a elas é escasso. Por sua vez, temos inúmeros interessados em escrever e, principalmente, em publicar, seja qual for a fantasia envolvida nisso. E mesmo assim conheço poucos autores que de fato estão empenhados no ofício, estudando, reescrevendo, burilando, participando de discussões, enfim, tentando se aprimorar. Porque a escrita é exigente. Viver de escrita é muito mais. Não é algo que se edifica de um mês para o outro. Como criar algo genuíno, consistente, digno de nota? Nesse sentido, me preocupa menos a quantidade e mais a qualidade dos escritores e dos leitores. Se você observar os ditos formadores de opinião (youtubers, influenciadores, chame como preferir) dedicados aos livros, a grande maioria não passa da superfície; são mais comunicadores do que leitores de fato. Leem os mesmos livros, têm as mesmas impressões, reproduzem os mesmos lugares comuns. Trabalham o livro como produto de consumo, e só. Acho bastante triste. Não é isso que me interessa na literatura. Do mesmo modo, acho bastante triste editores e editoras reclamarem do mercado, mas continuarem atuando de maneira pouco profissional, sem pagar direitos autorais, sem prestarem contas aos autores, sem qualquer plano de marketing para fazer os livros encontrarem seus leitores. É tudo bem precário, caseiro, desrespeitoso. Diz-se que ficou fácil publicar hoje em dia. Sem dúvida, basta contratar serviços gráficos e editoriais que seu livro será impresso. E de certo modo os editores vão se tornando tiradores de pedido. Mesmo em editoras que não cobram dos autores para publicar seus livros, sinto que a responsabilidade pelas vendas ainda recai sobre eles, como se a tarefa do autor fosse, além de escrever, escoar os exemplares. Vivemos uma situação complicada. E enquanto os próprios agentes desse mercado não se profissionalizarem, novos leitores não virão. Em suma, eu gostaria de ver autores mais profissionais, cientes da sua responsabilidade com as palavras e com a criação artística, dominando os ossos do ofício; editores mais profissionais, aprimorando a qualidade das publicações, formando leitores e fazendo os livros chegarem aos interessados; e leitores melhor capacitados, que apreciem as obras além do enredo, do nome famoso na capa, da modinha, enfim, capazes de viverem uma experiência estética profunda com a arte da palavra. O livro como simples distração pode ser trocado por outra, sem grandes prejuízos para o leitor ou para a arte da literatura; só prejudica mesmo o tal mercado literário. Todavia, o livro como algo vital não tem substituto. Como fazer isso tudo se realizar? Não tenho resposta, infelizmente. Nem acho que a resposta é simples. Acredito, porém, que nos falta um projeto de Estado consistente para a área da cultura. Algo que vá além de iniciativas pontuais de governo, mas que ouse e trabalhe com um objetivo grandioso, de longo prazo, valorizando a produção nacional, cuidando de todas as camadas envolvidas e transformando a educação das pessoas. Sinto que não estamos nem perto de ver isso acontecer. 

7. Qual foi a sensação de ver seu primeiro livro publicado pela primeira vez?

Foram inúmeros acontecimentos e esforços até ver meu trabalho publicado, então o sentimento foi de realização, satisfação, alegria. Foi também a afirmação de que era possível, de que a luta tinha valido a pena. Eu tinha conquistado um lugar importante na minha trajetória profissional. Fiquei sem caber em mim.

8. Você está trabalhando em algum novo projeto atualmente? Se sim, pode contar um pouco sobre...

Eu tenho trabalhado em alguns contos, pensando que eles comporão um novo livro. Quero fazer uma homenagem às histórias de suspense e terror que eu lia na juventude, e que foram importantes na minha formação. Mas ao mesmo tempo quero produzir algo singular, explorando um sentimento de horror mais sutil, se é que isso existe. Horrores que se banalizaram e que já não espantam, não surtem efeito nas pessoas, mas que nem por isso deixam de ser horríveis e, assim, deveriam ser intoleráveis. Não mais aquele horror da alegoria, das lendas e mitologias, mas o horror presente no nosso dia a dia, que se apresenta o tempo inteiro diante de nós. Também tenho me dedicado a explorar as possibilidades do diálogo, em especial os não ditos que se ocultam nas palavras expressas. Venho buscando criar diálogos que falem além das palavras, e isso com o mínimo de palavras possível. É uma experiência que tem me mobilizado a escrever. Tenho alguns textos adiantados, esboços, ideias ainda insipientes. Vou escrevendo sem pressa. Estou deixando o projeto maturar.

9. Para você, escrever é...

Um caminho entre muitos outros. Mas o caminho que escolhi. Ou talvez seja o caminho que me escolheu e me fez caminhante.

MANUSCRITOS DE COMPUTADOR

Foto de Amauri Mejía

Pessoas mais próximas sabem que tenho, desde criança, uma coleção de canetas. Na realidade, é mais um acúmulo movido por meu gosto pessoal do que propriamente uma seleção metódica. É também sabido que tenho especial apreço pelas canetas-tinteiro, que na minha fantasia são como pincéis espalhando aquarela no papel (sou um artista visual frustrado, admito). Por conta desse meu gosto antiquado, ocorre com frequência me perguntarem se escrevo à mão ou no computador. Dada a minha dificuldade de responder apenas sim ou não, em geral a conversa segue o rumo deste pequeno artigo que você lê agora. 

Nelson de Oliveira foi muito feliz ao subintitular o livro Geração 90 com o paradoxo Manuscritos de computador. Sua antologia de contos brasileiros escritos no final do século XX anunciava a derrocada do papel (e da máquina datilográfica, mas também da caneta) diante dos softwares de edição de texto. E o escritor com isso? 

Há inúmeros ensaios, pesquisas, experimentos científicos, palpites, desavisos, defesas exaltadas de um meio ou do outro. Benefícios da escrita à mão para a saúde do cérebro, malefícios do desperdício de papel para a saúde do planeta; vantagens técnicas dos computadores, infelicidades da vida que não desconecta da internet. Agora, mais recentemente, temos a inteligência artificial, que, dizem, jogará também o escritor na lata do lixo, junto com suas bolas de papel amassado. 

De minha parte, tenho pouco a acrescentar a essa peleja. Minha experiência pessoal diz que não há, necessariamente, um melhor do que o outro (eu avisei que não consigo ficar apenas no sim ou não). Havemos, contudo, de saber usufruir do que a caneta e o teclado têm a oferecer. 

O tempo da escrita à mão é outro, quanto a isso não há dúvidas. Cada palavra demanda esforço para ser grafada no papel, então convém que seja escolhida com parcimônia. Nesse sentido, quando escrevo à mão, tento pensar melhor primeiro. Gosto um tanto também da materialidade envolvida nessa técnica: já mencionei a tinta como pintura, e há ainda o toque do papel, os ruídos de virar as páginas, a possibilidade de dobrar, amassar, cortar, colar, puxar linhas, desenhar um sorrisinho quando a coisa vai bem e rabiscar quando vai mal. E há cadernos tão lindos! 

Só que escrever com caneta cansa. Chega mesmo a doer, ainda mais se você largou esse costume lá na escola. O teclado é mais confortável, os dedos dançam entrosados, as letras surgem alinhadinhas como crianças diante do carrinho de pipoca. Aliás, bem melhor ordenadas. O que pode ser um problema: como escapar da formatação padrão disponível no editor de texto? Como esboçar caminhos criativos que não querem esperar placidamente na fila? 

Alguns argumentarão: claro que dá para recortar e colar papel, mas é bem mais prático usar a tecla control do que a tesoura. Ao ponto em que muitos escritores, quando terminam o primeiro parágrafo, na verdade escreveram e reescreveram uns dez, que durante o processo foram habitar o limbo do mundo digital (com sorte, podem ser recuperados por meio do histórico de edições, mas quem se dá ao trabalho?). 

O que me incomoda mesmo em ficar diante da tela são as interrupções e distrações. Chegam mensagens, e-mails, notícias. Você entra no dicionário online para pesquisar uma palavra e aparece uma propaganda, daí você se lembra que precisa comprar qualquer bobagem, agora mesmo, não pode esperar, abre o site da loja, e assim o texto já ficou perdido em uma das dezenas de abas abertas na área de trabalho. 

Isso, imagino, vale para todo profissional que passa o dia no computador: temos esse hábito meio ridículo de acreditar que as pessoas só estão trabalhando quando a tela ilumina seu rosto. Talvez elas produziriam resultados bem mais interessantes, criativos, volumosos se deixassem de se distrair com tudo o que o computador oferece e encarassem uma folha de papel em branco durante alguns minutos. Mas, já pensou, você desenhando quando a chefia passa para a inspeção? 

Eu escrevia bem mais à mão. Em parte, por pura teimosia. Fui me acostumando com o computador. E hoje uso um pouco de cada um. Desse embate entre escolher A ou B, penso que cada pessoa pode avaliar o que funciona melhor para si, conforme os recursos disponíveis e os seus objetivos. 

Mais importante do que a técnica utilizada é perceber na escrita um meio de criar, em vez de apenas reproduzir algo pressuposto. Explico melhor: você pode usar a escrita para registrar aquilo que pensou. Ok, mas isso é a função mais rasa e sem graça dela. Porque a escrita é um caminho exploratório que pode levar a descobrir coisas nunca pensadas antes, ou ao menos jamais pensadas por você. 

Ao escrever, você associa informações, descobre meios de expressar o que parecia não caber em palavras, coloca-se a serviço de um texto que parece querer se escrever por si mesmo e que, no final, nem parecerá ser obra sua. Um filho ilegítimo. Que é, provavelmente, a sua cara. 

Esse potencial da escrita pode ser alcançado com caneta, teclas, ditado em voz alta ou o que mais você preferir usar para juntar sujeitos e predicados. Um potencial incrível que passa despercebido a muita gente, talvez porque não consigam escrever além das tarefas burocráticas do dia a dia. Eu mesmo só percebi essa possibilidade um tempão depois de começar no ofício. 

Por fim, como provavelmente me perguntarão, já adianto a resposta: este texto começou com uma associação meio inesperada de ideias (eu lia sobre técnica de construção de personagem, lembrei da conversa que tive com um amigo sobre diferentes tipos de escritores e seus pensamentos, e nem sei dizer exatamente como me voltou a questão de escrever à mão). Daí, peguei um bloco de papel, uma caneta (tinteiro, claro), esbocei um esqueleto do texto, que teria quatro parágrafos. Fui para o computador, a coisa cresceu a despeito da minha vontade. Aceitei. Então, reescrevi tudo, editei, cortei, imprimi, rabisquei, digitei de novo, revisei, mudei palavras, troquei frases de lugar, enxuguei o prolixo, expliquei melhor a ideia solta. E deu certo, imagino. Porque, veja só, trouxe você até aqui.

TRÊS HISTÓRIAS, MUITOS FRAGMENTOS

Os trechos abaixo foram extraídos do artigo de Ivan Nery Cardoso intitulado A literatura e seus experimentos, que você lê na íntegra clicando aqui.

Capa do livro Museu de Arte Efêmera, lançado pela editora Laranja Original

[…] O segundo livro é Museu de Arte Efêmera, de Eduardo A. A. Almeida, lançado esse ano pela Laranja Original. Em seu subtítulo, o livro se apresenta como “um tríptico”, e, de fato, as três histórias que o compõem carregam um efeito de serem partes de um todo, mesmo que independentes uma da outra.

Aqui, Eduardo A. A. Almeida escolheu a fragmentação como forma, e construiu suas histórias em cima disso. Um de seus personagens encapsula bem o procedimento que parece ter sido adotado nesses ótimos contos:

“Não peço uma grande narrativa

mas um apanhado de detritos

rastros e restos menores, com alguma sensibilidade

e um traço de ética.”

(p. 124)

Luminescências, o conto que abre esse tríptico já nos ambienta na tônica de seu Museu de Arte Efêmera. A história nos é apresentada em capítulos curtos, contendo cenas capturadas por câmeras de segurança e projetadas em monitores. Cada cena é um curto episódio que se inicia de forma comum, mas que sempre descamba para o absurdo. Em um dos monitores, acompanhamos um homem de óculos escuros que, deitado em um divã, narra para diferentes psicólogos um mesmo episódio da infância, mas, a cada vez, altera algum detalhe (ou alguns detalhes). Em outro, uma mulher percorre as ruas de uma cidade completamente nua, segurando apenas uma bolsa preta. E, no terceiro, um homem tenta pedir comida em um restaurante que parece não ter comida alguma. As três histórias, apesar de inicialmente separadas, são ancoradas, cada uma, em elementos que ganham importância a cada vez que reaparecem, mas, aos poucos, vemos como até esse sentido que criamos em nossa cabeça não resiste ao absurdo que o conto toma, nos forçando, ao final, a repensar tudo o que foi lido até ali.

De forma semelhante, Eterno retorno, segundo conto do livro, usa a fragmentação para criar a ideia de um tempo circular, onde tudo o que já aconteceu acontecerá de novo, e de novo, e de novo. Também separado em capítulos curtos, vemos a narrativa de um analista de seguros que, ironicamente, se vê envolvido em um acidente de carro fatal, e acorda no que parece ser uma outra dimensão (ou não). Os capítulos se dividem nesse antes e depois, mas sem seguir a ordem cronológica, reforçando, pela nova ordem temporal criada na organização do autor, a inevitabilidade do acontecido ao mostrar como não há nada que possa ser feito, nem antes, nem depois.

Fechando, o conto que dá título ao livro une os elementos de tudo o que apareceu até aqui para, de fato, nos apresentar o Museu de Arte Efêmera, prédio onde Lethe (rio da mitologia grega que apaga a memória de quem bebe de suas águas) e Zakhor (palavra em iídiche para “lembrar”) escutam as tragédias das vidas de seus visitantes e tentam convencê-los a esquecê-las para sempre e se livrarem da culpa, ou a lembrarem delas, para que não se repitam. Aqui, Eduardo A. A. Almeida usa muitos recursos do teatro e da poesia, conferindo a esse conto uma aura de tragédia grega, onde os destinos são inevitáveis, mas a vontade humana de querer mudar o passado é sempre maior, deixando um gosto agridoce na boca e aquela dorzinha do desejo não realizado. […]

Saiba mais sobre o livro no site da editora Laranja Original.

O MUSEU DE ARTE EFÊMERA: ENTREVISTA COM EDUARDO A. A. ALMEIDA*

Eduardo A. A. Almeida (foto de Edi Rocha)

Alan dos Santos  — Aproveita o espaço dessa primeira pergunta para se apresentar aos leitores do site. Você já publicou por editoras importantes como Laranja Original, Reformatório e Moinhos. Três importantes editoras para o contexto de publicação da literatura brasileira contemporânea e latino-americana. Quantos livros você já publicou?

Eduardo A. A. Almeida — O Museu de Arte Efêmera é meu sexto livro, lançado agora em julho de 2024 pela Laranja Original. É formado por três histórias longas, atravessadas pela questão da memória, e cuja forma traz elementos da dramaturgia, da prosa e da poesia, bem híbrida mesmo. Antes dele eu publiquei um livro de poemas chamado Sutilezas, fins, que saiu por uma pequena editora do Espírito Santo, a Pedregulho. O belo e a besta é um livro mais experimental, de textos curtos que tratam das proximidades e diferenças entre humanos e outros animais. É um livro engraçado e horrível ao mesmo tempo. Esse foi publicado pela Moinhos. O anterior é o meu único romance até agora — uma novela, na verdade –, de título Diante dos meus olhos, que ganhou Menção Honrosa no Prêmio Sesc e no Nascente USP, foi selecionado num edital de publicação da cidade de São Paulo e chegou aos leitores pela editora Reformatório. Meu segundo livro, já que estamos indo de trás para frente, foi o Testemunho ocular, de contos, poemas e outros textos mais livres, que venceu o concurso da extinta Lamparina Luminosa e atualmente está fora de catálogo. Esse acabou bastante afetado pela pandemia, infelizmente, que prejudicou a sua circulação. Pretendo, em breve, lançar uma segunda edição para que ele fique acessível de novo. Para encerrar, minha primeira publicação solo foi um conto, que saiu numa edição artesanal limitada pela Cultura & Barbárie, chamado Por que a Lua brilha. Foi minha estreia propriamente dita, ainda que antes eu tivesse participado de coletâneas em livros e revistas.

Mas você perguntou também sobre mim, e o que posso dizer, a título de apresentação pessoal, é que trabalho com escrita em diversos âmbitos, em especial a comunicação e a literatura. Além de escrever, assessoro autores e editores em seus projetos de criação artística ou literária. Dou aulas de escrita criativa. Fiz parte do Núcleo de Dramaturgia do SESI, do Curso Livre de Preparação do Escritor na Casa das Rosas e desde 2016 componho o coletivo de criação literária Discórdia. Atualmente, colaboro com o portal LiteraturaBr. E tenho uma formação acadêmica na área das artes visuais, que marca meus interesses de pesquisa e minha obra literária, basta ver alguns dos títulos dos meus livros que acabei de citar para perceber que a questão da arte, da imagem e da visualidade está posta desde ali. Se alguém se interessar, encontrará mais informações sobre mim no site www.lerparacrer.com.br, na plataforma Medium e no meu blog www.artefazparte.com. Fica aqui o convite.

Alan — Vamos explorar o Museu de Arte Efêmera (Laranja Original), seu livro mais recente e que tive a oportunidade e o prazer de ler. O livro reúne três contos que exploram a questão da memória e criam uma tensão entre a lembrança (registro, memória etc.) e o esquecimento. De fato, a questão da memória é importante para as três histórias. No primeiro dos contos, um homem refaz sua infância, modificando-a a cada relato no divã; no segundo conto, realizamos uma reflexão profunda sobre destino e escolha: estamos fadados a realizar um plano previamente estabelecido por algo ou alguém ou temos liberdade para agir? No auge dessa tensão, acompanhamos o processo de esquecimento de si de um dos personagens principais; por fim, o último dos contos personifica o embate entre memória e esquecimento confrontando Zakhor e Lethe, um saber judaico ligado à preservação da memória e o rio grego do esquecimento. Como se deu a composição das narrativas e foi intencional estabelecer a memória como o ponto de unidade do livro?

Eduardo — Você fez uma leitura muito perspicaz, o que me deixa pleno de alegria. A questão da memória atravessa as três histórias, mas não foi intencional. Na realidade, antes de ser livro, eu havia criado três dramaturgias autônomas, escritas durante minha passagem pelo Núcleo de Dramaturgia do SESI. Isso foi em 2018. Quatro ou cinco anos depois é que retomei aqueles textos e me dei conta de que tinham algo em comum, que poderia conectá-los se eu os dispusesse juntos. Foi quando surgiu a ideia do livro. Mas eu não queria reunir os textos como estavam, pois tinham sido escritos em outra situação e com outro propósito. Comecei a retrabalhá-los, com especial cuidado em relação à linguagem. Eu queria transformar dramaturgias em contos longos, mas isso não é tão simples assim, há ideias em teatro que não funcionam tal e qual na prosa, há rubricas e atos que não se tornam narrações e capítulos simplesmente porque o autor assim o deseja, então me vi tomado por um embate complexo. O resultado é híbrido, ou ambíguo; algo entre a dramaturgia, a prosa e a poesia. Mas a inquietude original se preservou nesses novos formatos, o que me deixou satisfeito. E se no tema temos um ponto comum, que é a memória, na forma acredito que haja outro, que é a questão da montagem. Quer dizer, os três contos têm uma influência grande do pensamento de Aby Waburg, que conheço por intermédio do filósofo e historiador da arte Georges Didi-Huberman, e que trata de produzir estranhamentos por meio da aproximação de elementos diferentes. Sem querer complicar demais, eu explicaria assim: em vez de uma narrativa linear, convencional, coesa, me interessava desenvolver cenas breves que, postas juntas, pudessem criar atritos, conexões inesperadas, perturbações. As histórias poderiam ser contadas de muitas maneiras. Escolhi propor uma experiência de leitura mais provocativa. De certo modo, é mesmo como caminhar por um museu e olhar cada objeto exposto em sua singularidade, e então começar a criar associações entre eles, algo que vai acontecendo de maneira consecutiva, sem que se possa controlar.

Alan — Eu não conhecia o conceito de Zakhor. Poderia falar um pouquinho sobre ele ou sobre como você chegou a ele?

Eduardo — Fui atrás de Zakhor porque, mais do que uma personagem, eu precisava de uma espécie de entidade capaz de representar a cultura, a sabedoria, a ancestralidade, a tradição. Em algum momento da pesquisa, me deparei com esse termo, que se traduz como uma ordem: “lembra-te”. Uma palavra que, segundo Paul Ricoer, por muito tempo ocupou o lugar da história científica na tradição judaica. Zakhor produziu, assim, a oposição que eu queria em relação a Lethe, o rio que os gregos mortos atravessavam e que apagava as suas memórias da vida anterior. Veja que curioso: memória, cultura, sabedoria, ancestralidade, tradição, são todos termos femininos, e assim caracterizei Zakhor como uma entidade feminina. Enquanto o esquecimento, Lethe, é masculino. Não estou dizendo que são homens e mulheres, mas masculinidades e feminilidades apresentando suas diferenças num embate que remonta às tragédias clássicas. O Museu de Arte Efêmera é um livro em que a força do feminino está bastante presente. Mas isso, assim como a ideia de Zakhor, foi se construindo um pouco por vontade própria, não é que eu tenha previsto ou agido de maneira proposital. São frutos do processo criativo.

Alan — Todo o livro faz um forte flerte com a dramaturgia, especialmente a primeira das três histórias: “Luminescências”. No final do conto há orientações de como montar a exposição. Como foi costurada a relação com a dramaturgia? Salvo engano, já ouvi você dizer que a origem das histórias remete justamente à uma experiência vinda do teatro. Se for isso mesmo, gostaria de saber então como foi a transição para a literatura e mais especificamente para a forma do conto. Qual foi o seu maior desafio na lapidação do texto? No final das contas, é muito diferente escrever uma peça e um conto?

Eduardo — Foi isso mesmo, os três contos eram inicialmente dramaturgias, eu quando percebi que elas poderiam produzir conexões interessantes publicadas num único volume, a solução que encontrei foi transpor a linguagem do teatro para a da prosa. Mas isso não é um processo automático, quer dizer, não se trata de mudar aqui e ali e pronto. Existem dinâmicas, recursos, propósitos específicos de cada gênero, e que precisaram ser reinventados. Algumas transformações foram bem graves. O primeiro conto, que você citou, resultou num texto completamente diferente do original. Mas o mais importante, a meu ver, é que ambos carregam o mesmo propósito. Talvez em literatura isso seja mais difícil de perceber, mas se pensarmos em termos de, digamos, pintura e fotografia, a discrepância das linguagens é evidente. Você pode pintar uma cena que a princípio tinha sido fotografada, mas ela será construída com tela, pincel, texturas, pigmentos, gestos corporais. E vice-versa. Minhas dramaturgias continham naturalmente rubricas, que são uma espécie de paratexto cuja função é situar o leitor, indicar ações dos atores, fornecer informações que não cabem na fala, entre outras funções. De algum modo, essas rubricas assumem um papel semelhante ao do narrador em terceira pessoa da prosa. Então, esse é um caminho de transposição entre as linguagens. “Luminescências”, ainda como dramaturgia, se pautava numa dinâmica de apagar e acender as luzes do palco — boa parte da peça se passaria na escuridão. Como levar isso para o conto? Não havia o menor cabimento sugerir que o leitor fechasse os olhos e continuasse a ler. No meio do caminho, me ocorreu a ideia das câmeras de segurança. Com elas, eu consegui reproduzir na prosa a dinâmica de cenas breves que tinha previsto para o palco. E, por sua vez, isso das câmeras seria bem desafiador de apresentar num palco, pois trata de ver a cena acontecer por intermédio de um aparelho eletrônico e de um recorte, que é o enquadramento da gravação. Esses são alguns exemplos das muitas diferenças entre a dramaturgia e a prosa. Há também a questão da recepção, quer dizer, a prosa se dirige a um leitor com livro na mão e leitura solitária, enquanto a dramaturgia se dirige a uma produção teatral e a uma interpretação do texto que será apreciada coletivamente. Isso, por si só, já é capaz de mudar muita coisa. Mas há também semelhanças. Porque, no fim, estamos falando de palavras sobre o papel, palavras lidas de maneira silenciosa ou em voz alta, palavras que vão ressoar num outro, desconhecido do autor. Talvez seja esse o grande fato da literatura, o seu ponto de irredutibilidade.

Alan — Minha formação é em filosofia, e mais especificamente em filosofia contemporânea. Digo isso para ressaltar que gosto muito do contraste entre as noções de unidade e diferença, preferindo quase sempre a força da diferença. O conto “Luminescências” brinca com essas duas noções. Acompanhamos a história através de câmeras de monitoramento. Contudo, a cronologia não é sequencial, exata ou linear. Daí a aposta na diferença. Há câmeras e monitores diferentes, todos fora de ordem. Li pela primeira vez seguindo a proposta estética caótica do conto. Fui totalmente capturado pela trama. E apesar do gosto pela diferença, fui aguçado pela busca da unidade. Refiz a leitura, dessa vez por monitores e por câmeras, organizando uma ordem lógica, refazendo o percurso proposto pelo livro num jogo de idas e vindas, e creio mesmo ter identificado uma coesão na narrativa. Você esperava que os leitores fizessem de fato esse exercício de busca por unidade ou por coerência — essa nossa tola obsessão? Você concorda que o seu texto faz uma aposta radical na diferença? Em suma, como foi pensada a narrativa desse conto? Ressalto que essa foi a minha história favorita.

Eduardo — Me parece natural que, você sendo um filósofo, sua leitura do livro seja orientada por questões filosóficas, ou pelo menos atravessada por elas, e tenho muita curiosidade para ouvi-la mais a fundo. Mas é claro que, não sendo eu um filósofo, meu processo de escrita acaba seguindo outro caminho, embora em diversos pontos ele e o seu se encontrem. Digo isso porque, por exemplo, quando decidi embaralhar as três narrativas do primeiro conto, que estão ali representadas como monitores A, B e C, eu não pensava no conceito de diferença, e sim em privilegiar cada “cena”, ou cada acontecimento. Para dizer de maneira mais simples, eu abri mão de uma narrativa linear convencional porque queria que o leitor apreciasse cada imagem em si mesma, e que só depois buscasse conexões entre elas. Assim, nós temos nesse conto três narrativas, cada uma delas com um número variado de episódios, que são de fato numerados. Isso possibilita que o leitor faça o mesmo que você: ao fim do conto, retorne ao início e siga um percurso “cronológico”. Nas “notas para a montagem da exposição”, como você notou, esse convite está posto claramente. Com um aviso: “convém alertar o espectador de que essa mudança acarretará em uma experiência estética diferente”. No fim, é disse que se trata, de sugerir uma experiência estética diferente, e nesse ponto eu concordo plenamente com você, foi uma aposta radical na diferença, aqui obtida por meio da estrutura do conto. Existe uma coesão, é verdade. Mas ela me interessava menos e ficou em segundo plano. A força do conto vem de outro lugar, na minha opinião. E eu nem acho que nossa obsessão pela unidade é tola, porque é o que traz sentido para a vida, o que nos organiza e dá condições de seguir em frente. Mas a vida não pode se resumir a isso. E acredito que a literatura tem o potencial de produzir aí uma fissura, uma inquietação, enfim, dar uma bagunçada no que se pretende muito correto.

Alan — É perceptível a influência do pensamento de Nietzsche ao longo do livro. O próprio Nietzsche escreveu um livro sobre a importância da história e do esquecimento para a vida humana. O segundo conto recebeu por título “Eterno Retorno”, um dos mais belos conceitos de Nietzsche, e destaca também a voz profética do super-homem. O terceiro conto traz a força trágica do pensamento de Nietzsche e reforça a tensão entre memória e esquecimento adicionando o elemento do ressentimento perante o acontecido, no caso do conto, a perda de uma filha. Eu estou vendo Nietzsche em tudo ou seu livro busca mesmo esse diálogo de forma consciente e premeditada?

Eduardo — Bom, você já tinha descoberto que sou leitor de Deleuze e Derrida, e agora de Nietzsche. Mas meu interesse por esses filósofos tem muito mais de curiosidade pela maneira como eles transformaram a maneira de produzir pensamento do que um procedimento metodológico propriamente dito. Vamos colocar assim: sou um leitor descompromissado no que diz respeito à filosofia. Vou me apropriando dos conceitos tanto quanto das histórias que ouço ou de acontecimentos que testemunho, tudo se torna recurso para a escrita literária. Sempre achei linda a declaração de Lygia Clark de que “engravidava pelos ouvidos”, também ela querendo escapar de uma determinação intelectualizada da sua obra. Ela admitia ler e se encantar com o conhecimento advindo de outras áreas, mas aquilo em suas mãos se transformava em outra coisa, era matéria-prima para a criação artística. O eterno retorno, no caso desse meu conto, é um pouco isso também: uma referência, uma chave de leitura, um conceito que me marcou. E não é algo recente: li o Zaratustra na faculdade, vinte anos atrás, com minha cabeça de pós-adolescência. Depois até quis retomá-lo para desenvolver o conto, mas achei que acabaria por tentar aplicar na literatura as “ideias em filosofia”, como diz Deleuze em seu artigo sobre o ato de criação. Isso estaria fadado ao fracasso, então não voltei a Nietzsche. Deixei apenas que minhas impressões de décadas antes continuassem a ecoar. A bem da verdade é que as primeiras versões dessa história datam mais ou menos daquela época, então a influência esteve mesmo presente com maior intensidade. Com isso tudo, quero dizer que você está vendo Nietzsche no livro inteiro, e não tiro a sua razão. Mas não se trata de uma ação tão consciente assim e muito menos premeditada, com exceção da menção ao super-homem. Acredito que alguns autores são tão marcantes em nossa formação que não conseguimos deixá-los jamais.

Alan — Aproveitando o gancho, quais são as suas influências literárias? Quais autores e autoras te influenciam no processo de escrita? De onde vêm a sua verve experimental?

Eduardo — Embora eu leia um pouco de tudo, a vertente fantástica da literatura cria diálogos mais fortes com a minha obra. Gosto muito de Julio Cortázar, Italo Calvino, Murilo Rubião, esses clássicos. Mais recentes, me identifico com o que fazem a Samanta Schweblin, a Veronica Stigger, o Gonçalo M. Tavares. Porque são autores que extrapolam o convencional e ampliam as possibilidades da forma. Seus livros nunca são previsíveis. Experimentam, provocam, surpreendem, incomodam, nos deixam meio atônitos, questionando os limites da literatura e o que um livro pode proporcionar. E todos eles contistas, ainda que não exclusivamente. Não é por acaso. Esse é um formato que permite muitas aberturas, seja em relação à forma, à linguagem, às subversões.

Alan — Sempre gosto de pedir: poderia citar três livros que você leu recentemente e que te marcaram?

Eduardo — O livro dos lobos, do Rubens Figueiredo. Encontrei ali contos repletos de estranhamento e um profundo silêncio. Não conhecia esse lado ficcionista do Rubens, que também exerce um trabalho importante como tradutor e ensaísta.

Flecha, de Matilde Campilho. Um livro difícil de definir, formado por um apanhado de imagens e histórias breves que misturam fatos, ficção, perspectivas narrativas. Lindo demais.

O museu do silêncio, da Yoko Ogawa. Gosto muito da literatura japonesa e do trabalho da editora Estação Liberdade. Este é um romance contemporâneo que também fala da memória, dos rastros que deixamos, da efemeridade.

Alan — Por fim, sinta-se à vontade para comentar qualquer outro aspecto do livro que porventura eu não tenha te perguntado.

Eduardo — Eu preciso lhe dizer que foi um prazer imenso responder a perguntas tão interessadas e generosas. Elas me fizeram ver o meu próprio livro com outros olhos. Só posso expressar minha gratidão. E se tem algum aspecto que ainda cabe comentar talvez seja a escolha por reunir três textos e chamá-los de “tríptico”, termo tradicionalmente usado no campo da história da arte para se referir a retábulos de altar, muito populares na Idade Média. Suas imagens quase sempre têm em comum uma linha narrativa, uma moral, um personagem. Meu percurso pela pós-graduação se deu sempre no campo das artes visuais, e diversos dos meus escritos trazem questões oriundas das pesquisas que realizei ali. Os diálogos entre a literatura e as artes visuais me interessam especialmente. Veja esse meu livro mais recente: desde o título já nos deparamos com um museu de arte. Mas a reunião de três narrativas longas também é recorrente na literatura. Temos a edição dos Três contos de Flaubert, talvez a primeira que me chamou a atenção para isso. Mais recentes, temos Sul, da Veronica Stigger, e Sebastopol, do Emilio Fraia. Com certeza há muitos outros que eu poderia citar aqui. Mas eu só queria mesmo dizer que houve nessa escolha uma intenção, e ela me ajudou a explorar o meu interesse pelas artes e pelas imagens, o que veio bem a calhar.

* Esta entrevista foi conduzida pelo filósofo e psicanalista Alan dos Santos e publicada originalmente no site Deus Ateu.

Saiba mais sobre o livro no site da editora Laranja Original

A ESCRITA, O ESPANTO

 

Texto publicado originalmente em LiteraturaBr

Ontem me comportei mal no universo.
Vivi o dia inteiro sem indagar nada,
sem estranhar nada.
[…]
O mundo podia ter sido percebido como um mundo louco,
e eu o tomei somente para uso habitual.

Trecho do poema Desatenção, de Wisława Szymborska

Ando às voltas com o espanto. Esse sentimento, que é também uma espécie de acontecimento, ganhou sabor especial por conta do meu livro mais recente, Museu de Arte Efêmera (editora Laranja Original). Com tal palavra a me assombrar, e a obra em processo, dei-me conta de que escrevo para provocar espanto. No leitor, sem dúvida, porque acredito nessa literatura que apresenta um desconhecido, evoca a sensação de estranhamento, desnaturaliza o banalizado, em vez de apenas reiterar o que já se sabe. E escrevo para eu também me espantar.

Espanto-me com a narrativa que se vai criando à revelia dos meus planos, como se me usasse para adquirir vida própria. Emociono-me com meus personagens, sofro com os seus conflitos. Rio da piada que não esperava escrever. Surpreendo-me com usos da linguagem que não me diria capaz de desenvolver até o momento em que a vejo no papel, com a tinta ainda por secar. Acredito na arte que surge desse inusitado.

“O escritor é aquele que se espanta com as coisas, desde as mais triviais às mais extraordinária”, afirma Noemi Jaffe no livro Escrita em movimento. E completa: “ele dificilmente permite que as coisas se banalizem, já que quase tudo é matéria de escrita”.

Também fico feliz ao ler Wisława Szymborska falar sobre o espantoso na poesia. “Na qual se pesa cada palavra, nada é comum ou normal. Nenhuma pedra e sobre ela nenhuma nuvem. Nenhum dia e depois dele nenhuma noite. E acima de tudo nenhuma existência do que quer que seja neste mundo”.

Ao receber o Prêmio Nobel em 1996, a poetiza comentou a importância do “não saber” em sua obra. O que faz da escrita não um instrumento da verdade, mas da busca. A escrita como perseguição daquilo que demanda ser escrito, e que todavia é arisco. Escrever como meio de se fazer perguntas e tentar respostas necessariamente insuficientes.

O artista das letras não deve escrever para defender uma ideia, penso eu, mas para se atirar no desconhecido. Tenho sempre comigo a fotografia em que Yves Klein pula do alto de um muro. Salto no vazio, diz o título. Onde cairá? Caso sobreviva, em quais condições se reerguerá? Com sorte, trará desse lugar estranho – o vazio – um punhado de matérias-primas, a princípio desconexas, que desse seu desencontro serão capazes de sugerir algo ainda não dito, ou sequer imaginado. Espantoso?

Para Szymborska, a inspiração nasce de um incessante “não sei”. E isso não é privilégio dos poetas ou dos artistas em geral. Segundo ela, “existem médicos, pedagogos, jardineiros e centenas de outros profissionais assim. Seu trabalho pode ser uma constante aventura desde que consigam ver nele sempre novos desafios. Apesar das dificuldades e fracassos, sua curiosidade não arrefece. A cada problema resolvido segue-se um enxame de novas perguntas. […] Todo conhecimento que não gera em si novas perguntas logo se torna morto”.

A tradutora Regina Przybycien destaca, por exemplo, o interesse de Szymborska por outras áreas do conhecimento além da poesia, entre elas as ciências. Vivia em busca de oportunidades para espantar-se. “Achava que a poesia não nasce de conversas com poetas ou sobre poesia, daí sua amizade com matemáticos, físicos, geólogos, os quais podiam lhe revelar algo interessante e indicar leituras”.

É uma ideia que me atrai de maneira particular, dado o meu interesse pelas artes visuais, que inevitavelmente atravessa meu trabalho de escrita. Já se percebe no título deste mais recente, que remete a um museu, e que na folha de rosto se define como tríptico – formato tradicional de pintura, comum nos retábulos medievais, em que três peças criam um conjunto, associando-se em geral por compartilharem um tema ou um significado.

Você pode encomendar um exemplar na loja da Laranja Original

Os três contos que compõem o acervo do Museu de Arte Efêmera são atravessados pela questão da memória. A memória como forma de elaborar a vida, como marca traumática, como resistência diante do esquecimento. Eles apresentam estrutura fragmentária, inspiração dramática – eram, inicialmente, peças de teatro, que transcrevi para o formato de prosa – e jogos de imagens e sensações. Procuram mostrar como nossas histórias pessoais podem ser ao mesmo tempo frágeis e poderosas.

É meu livro mais ousado, em especial no que diz respeito à linguagem. Os textos tiveram suas primeiras versões em 2018. Quando os reli, passado um período de sedimentação, me espantei, percebendo-me leitor de mim mesmo, e o que melhor conhece minhas habilidades e lacunas de escritor. Espantei-me com o embaralhamento das vozes, que abre a narrativa para outras possibilidades. Com o enredo não premeditado, com o tanto de vivência pessoal alimentando a vitalidade das personagens. E em especial com a busca por respostas que percorre os textos e os conecta.

No conto Luminescências, um sujeito reinventa certo acontecimento de sua infância a cada vez que o relata, buscando entender como aquilo ainda o determina. Após um acidente de carro que vitima sua namorada, o protagonista de Eterno retorno deve se reaver com o destino. Por fim, em Museu de Arte Efêmera de Lethe, o fato de ninguém se lembrar da criança afogada no rio faz outras tragédias virem à tona, assim como a indiferença de suas testemunhas.

Sigo ansioso por descobrir se os leitores sentirão também o espanto que me acometeu durante a redação. Não idêntico, claro. Mas algum ímpeto poético que abra uma fenda nos absurdos corriqueiros já tomados como certos. Um deslocamento na direção do desconhecido. Uma respiração retesada. Um incômodo. Se isso acontecer, o trabalho terá cumprido o seu propósito.

AS PINCELADAS DO ESCRITOR

Foto de Suzi Kim

Não faz muito tempo, comecei a organizar com maior rigor as minhas leituras, refletindo sobre os assuntos do meu interesse, traçando planos e tomando notas, seja para depois escrever resenhas ou como forma de estudo. Em 2022, li um total de 53 livros. Número que só decorei porque, coincidentemente, no ano seguinte li a mesma exata quantia. Isso dá uma média de pouco mais de quatro livros por mês, ou um por semana. Mas em janeiro de 2024 eu li um único livro. Em fevereiro também. E tudo bem. Porque estou tentando ler melhor.

Eu já vinha pensando em exercitar uma leitura mais analítica, embora essa ideia só tenha se apresentado com clareza por causa do livro Para ler como um escritor (editora Zahar), em que a estadunidense Francine Prose explica como a leitura atenta a fez uma leitora melhor qualificada e, por consequência, uma escritora mais habilidosa.

“Leio minuciosamente, palavra por palavra, frase por frase, ponderando cada aparentemente mínima decisão tomada pelo escritor”, diz a autora, que também dá aulas de escrita. Para ela, “todos nós começamos como leitores atentos. […] É palavra por palavra que aprendemos a ouvir e depois a ler, o que parece adequado, porque, afinal, foi assim que os livros que lemos foram escritos”.

Essa consciência do ritmo, da dicção, do tom, da maneira como as frases são construídas e como a informação é transmitida, como o escritor estrutura a trama, cria personagens, menciona detalhes e desenvolve diálogos, entre outros pormenores, requer um carinho especial do leitor com a forma do texto. E não pode haver nada mais importante. Pois é a forma que diferencia uma narrativa literária de um relato qualquer.

A apreciação estética de um texto literário convoca o leitor a usufruir com maior profundidade da escrita como arte. Mais do que a disposição para entender a história contada, ela trata do como se conta, de quais recursos estilísticos foram empregados, quais foram as escolhas do escritor e, claro, as suas consequências na leitura. Ler com esse prazer pela linguagem é semelhante a ouvir uma música com atenção às notas e arranjos da sua execução.

Francine Prose enumera ainda outras camadas que essa leitura suscita. Como os casos em que as revelações cruciais de uma trama estão nos interstícios, ou seja, estão apenas sugeridas nos não ditos, nos espaços entre as palavras. Podemos pensar também em como as frases se ordenam para enfatizar um sentido interpretativo. Ou como mudanças de parágrafo indicam deslocamentos nos pontos de vista da narrativa. Como os diálogos trazem implícitas as intenções dos personagens ou a parcialidade do narrador. Por qual motivo nos identificamos, ou não, com eles. Como os detalhes situam um personagem em seu ambiente, ou como um gesto sutil é capaz de apresentar algo fundamental da sua subjetividade. Quem conduz a narrativa. Com quem fala. Quais são os tempos verbais. Como se estabelecem as relações entre um personagem e outro. Como a linguagem parece adequada a determinado contexto. Como o autor usa os estranhamentos para revelar novas perspectivas sobre algo tornado banal. Ou, ainda, como a gramática é empregada, como as normas são subvertidas, como outro usos da língua são inventados para dar conta de um propósito narrativo.

Acontece que isso tudo implica uma leitura exigente. Que demanda, em primeiro lugar, atenção. E em segundo lugar requer lentidão. Requer maior preocupação com a qualidade do que com a quantidade. Além de um olhar treinado.

Francine Prose fala sobre ler de perto, como quando nos aproximamos de uma pintura de Rembrandt para observar suas pinceladas. Claro, afinal, as palavras são matéria-prima para o escritor, assim como as tintas para o pintor, ou as notas musicais para o compositor. Seguindo com as comparações, a autora cita o russo Isaac Bábel, para quem a linha é tão importante na prosa quanto na gravura.

E mesmo ensinando escrita há décadas, Francine Prose vê a atividade com desconfiança, claramente dando preferência à maneira como se formou, ou seja, lendo com entusiasmo, com empenho, com olhar crítico. Para ela, oficina de escrita e leitura atenta são práticas complementares. Que todavia operam em sentidos opostos: enquanto a primeira, assim como os manuais de estilo, expõe o lado “negativo”, ou seja, o que não se deve fazer, a segunda reúne modelos positivos, destacando o brilhantismo de certos profissionais da área.

E se você não tem pretensões de aprender o ofício, ainda assim é possível se aperfeiçoar como leitor. Em ambos os casos, ler muito não significa, necessariamente, ler bem. Não tenho dúvidas de que se pode argumentar ainda que tudo depende do propósito que leva cada pessoa a buscar um livro. Porque há tantos os aficionados pela arte das letras quanto aqueles que não querem mais do que um passatempo tranquilo. A depender da ocasião, um mesmo leitor pode ser A ou B, não há motivo para fronteiras rígidas.

Para ler como um escritor traz, no final, uma entrevista com a autora. E em meio às respostas dela se encontra a seguinte provocação, que destaco como última reflexão para todos nós: “Há escritores que seriam mais lidos – e, inversamente, escritores que nunca seriam lidos – se as pessoas realmente observassem quão bem ou quão mal eles escreviam. Na maioria dos casos, eu preferiria ler algo que está lindamente escrito e não aborda grandes temas a ler algo aparentemente mais denso que não tenha um tipo de uso novo ou revigorante da linguagem”.

COMO FAZER AMOR NOS TEMPOS DA CÓLERA?

Saiba mais no site da editora Quelônio

Com o perdão da paródia, essa pergunta foi uma das que me ocorreram enquanto lia Fazer amor no século XX, de Clarice Dall’Agnol, editado no fim de 2023 pela Quelônio.

O livro é na verdade uma plaquete com 44 páginas e 33 poemas. Obra que, já de início, chama atenção pela coragem. Afinal, a humanidade tomou caminhos tão bizarros – guerras, ameaças nucleares, pobreza, extremismos políticos etc. – que falar de amor agora é seguir na contramão. Ou, no mínimo, um gesto anacrônico. E logo esse assunto tão enraizado na história da literatura!

É bonito porque encontramos ali amores variados, que escapam do sentimentalismo pasteurizado comum em romances “água com açúcar”, filmes, músicas, reflexões de redes sociais etc. São amores alegres, dramáticos, inquietantes, voluptuosos, perturbadores, dolorosos, motivadores, sutis, cativantes, poderosos, que vão alinhavando diferenças e aproximações. E que ganham forma na companhia de outros temas, como o mar, o sul, o corpo, a memória, as amizades, o ofício da poetisa.

Clarice produziu um livro tocante. Que traz ainda a qualidade de ter a medida exata – falar demais sobre o amor pode ser um perigo! Assim, também paro por aqui, deixando o convite a quem quiser experimentar a leitura.

Passo a palavra à autora, que foi muito gentil em responder às perguntas a seguir.
 
Por que fazer amor – e falar de amor – no século XXI?
E por que não fazer? Ou falar? Penso que mesmo que muito se tenha falado e escrito sobre o amor ao longo da história universal, ainda assim, não foi o suficiente, ou não estaríamos vivendo uma imensa (e coletiva!) crise existencial, emocional, de valores, de intenções, de finalidades. Nossa geração teme amar, porque teme também o desfazimento do amar. Evitamos amar, para não sentir tanto, e, assim, não sofrer decepções. Sempre costumo dizer que “amo até a última gota” (e essa frase também já foi morar em meus versos): sinto em demasia, e justo porque o ato de amar (e igualmente o de deixar de amar, ou de ser amada) são alimentos para minha poesia. “Porque demais sinto/muito me derramo em palavras”, digo em meu poema “À Flor da Pele”. Não tenho medo nenhum de amar (ou de escrever sobre o amor), e acredito que transmutar esse meu “não medo” do amor em poesia pode, de algum modo, convidar quem me lê a experimentar mais intensamente as variadas formas de amor que se apresentam nestes tempos tão fluidos e complexos em que vivemos, principalmente no mundo pós-pandêmico. Duas de minhas maiores influências poéticas, Sylvia Plath e Ana Cristina Cesar, que fizeram poesia confessional como poucas, ensinaram-me a me libertar de toda e qualquer amarra em prol de um constante resgate do que em mim mais recolhido (porém, pulsante) está. Precisamos seguir amando sem fronteiras, para nunca deixar de escrever sobre amar, e sobre o amor, porque, ao final, é sempre ele que desata os mais intricados nós. E desata-nos, desvenda-nos.
 
Seu livro evoca amores diversos – de juventude, de memória, de mãe, de amigos, platônico, vividos ou observados, entre outros – sem, contudo, recair em lugares-comuns. Qual é o seu segredo para reinventar o amor em poesia?
Conforta-me ouvir que meus poemas sobre o amor não soam como lugares-comuns. Não que isso tenha sido uma preocupação consciente ao longo de meu processo de escrita desses poemas, porém, reconheço que não é tarefa fácil fugir de clichês quando se fala de amor em poesia. Enquanto escrevo esta resposta, neste exato momento, penso que talvez o segredo para essa reinvenção do amor em poesia, sem que meus versos se tornem simplórios - mas que sigam sendo sempre singelos, porque, como leitora desde a infância de meu conterrâneo, o mestre Mario Quintana, penso que é na simplicidade que reside o mais belo e profundo do fazer poético – o segredo é justo livrar-me de qualquer censor interno que possa ceifar o que há em mim de mais genuinamente confessional. Se eu não puder ouvir minha voz poética mais livre e autêntica, não serei mais capaz de escrever poesia. Tudo o que me amarra me impede de criar.
 
Algumas das dedicatórias que acompanham os poemas trazem homenagens a mulheres (“an amazing and smart girl-woman” ou “a mais incrível das mulheres”, por exemplo). O amor é um poder – e talvez um território – feminino?
Adorei essa frase! Daria um baita poema. Arrisco-me a dizer que o amor sempre foi um poder (e, sim, um território feminino!), porém, fiquei estarrecida ao ler recentemente em um ensaio escrito por Virginia Woolf (cuja vida e obra fazem parte de minha pesquisa de Doutorado), que, nos primórdios da literatura universal, as mulheres não faziam poesia, porque o patriarcado não lhes atribuía nenhuma capacidade em qualquer tipo de sensibilidade (que incluía o “saber” amar, ou sobre ele versar, veja que absurdo...!). A poesia, sendo considerada arte extremamente sofisticada e sublime, só cabia, infelizmente, a alguns poucos “vocacionados”, todos do sexo masculino. Foi apenas de modo muitíssimo lento que as mulheres (e por óbvio, também as artistas) foram adentrando os territórios absolutamente dominados pela sociedade patriarcal em várias áreas, o que incluía a literatura e a poesia. Não afirmo aqui, de modo algum, que o amor seja (hoje) poder e território exclusivo das mulheres (seja para vivê-lo, ou escrevê-lo), contudo, a partir do domínio gradual do feminino sobre a arte e a liberdade de amar, pode-se dizer que nós mulheres tomamos por completo as rédeas sobre nossos sentimentos, nossos corpos e nossos desejos, de um modo extremamente corajoso, assertivo e contundente, jamais experimentado pela sociedade, historicamente; porém, sem perder a sensatez, o lirismo e a ternura. E isso é irreversível (ainda bem!).

Sei que você tem uma produção de décadas, mas só agora está lançando seu primeiro livro solo. Como foi esse processo de escrita, maturação, seleção e publicação?
Sim, escrevo em realidade desde muito jovem, e publico em meios virtuais desde 2003, porém, posso dizer que a coragem de lançar meu primeiro livro “no papel” veio somente no ano passado, em 2023.

Os 33 poemas de meu “Fazer Amor” foram selecionados dentre minha produção poética do final de 2021, quando a pandemia já iniciava a dar sinais de melhora, até julho de 2023, quando enviei o original para a editora. Os poemas já tinham sido publicados no coletivo cultural virtual do qual faço parte desde 2005, o PáginaDois. Inicialmente, não havia pensado em unir os poemas pelo “fio condutor” do amor e seus desdobramentos, porém, aos poucos, comecei a perceber que, sim, mais do que o amor, o “amar” estava ali naqueles poemas, sob suas mais variadas formas, sob as mais diversas experiências, minhas, e das pessoas que me rodeiam. Em realidade, eles estão em uma ordem cronológica, mas decrescente (de julho de 2023 a novembro de 2021).

Surgiu-me então a oportunidade incrível de publicar pela editora Quelônio, que admiro desde seu início no mercado editorial, com essa publicação artesanal belíssima, da qual tive o prazer de participar de todo o processo, desde as primeiras conversas com o editor, Bruno Zeni, que foi maravilhoso, passando por um primoroso e cuidadoso trabalho de preparação dos originais, escolha de tipos móveis, layout, cores de capa e costura, pelas mãos lindas e criativas da designer gráfica Silvia Nastari, até culminar no livro prontinho para publicação. Meu livro é parte de uma coleção de outros sete títulos, de autoria de seis escritoras e um escritor, meus parceiros nessa empreitada inesquecível que durou 5 sábados em 2023, nas dependências da tipografia da Quelônio. Bem, amei o resultado, ficou lindíssimo! Agradeço muito ao querido amigo Eduardo Almeida pela perfeita review que fez do livro, e também ao coletivo Discórdia pelo interesse em meus versos, e pelas instigantes perguntas. Foi um prazer respondê-las! 

QUANTO É CURTO O SUFICIENTE?

 

Foto de Gabriella Clare Marino

Dia desses, um colega de trabalho alegou ter horror a livros de contos por causa da ansiedade que as histórias curtas lhe provocam. Não foi a primeira vez que ouvi algo semelhante. Lembro-me bem de quando uma amiga escritora confessou sua preferência por romances porque, quando ela “começa a se envolver com a trama dos contos, a história acaba”. Até mesmo Mário de Andrade afirmou certa vez que “o livro de contos fatiga muito mais que o romance. […] A leitura de vários contos seguidos nos obriga a todo um esforço pleno de apresentação, recriação e rápido esquecimento de um exército de personagens, às vezes abandonados com saudade”.

Sou um caso suspeito, mas tenho cada vez mais preguiça de romances. Não necessariamente pela extensão, mas pelo “formatão” convencional que pouquíssimos escritores subvertem. Em minhas aulas, costumo fazer um paralelo com a pintura: a ilusão perspectiva, a luz e sombra, a marca da pincelada, as cores realistas, tudo isso está dado e pronto para ser reproduzido como tantas vezes já se fez. Como reinventar essa tradição?

Há quem me contradiga, explicando que grandes experimentações romanescas correm o risco de provocar estafa mental ao longo de tantas páginas. Talvez, talvez. Existem exemplos excelentes que derrubam essa tese, embora sejam exceções, admito. Além do mais, estamos falando em oferecer uma nova experiência de leitura ou repetir o que já se conhece? Precisamos fazer escolhas assim a cada novo arquivo que abrimos no computador.

Mesmo encontrando mais ousadia nos contos, nossos leitores têm preferência pelo romance, como mostra a pesquisa Retratos da leitura no Brasil. De modo geral, os contos perdem em todos os perfis de público. Resultado que se vê também nas prateleiras das livrarias e nos catálogos das editoras, onde a oferta de um gênero é bem maior que a do outro. Situação dada e estabelecida, apesar da ponderação de especialistas no setor, como a do editor Cide Piquet, para quem “alguns dos melhores momentos da literatura brasileira passam pelos contos de Machado de Assis e Guimarães Rosa”.

E o que falar do microconto? Porque se há contos de dez, vinte, cinquenta páginas, há também de dez, vinte, cinquenta palavras. Esses quase não aparecem em livros. Uma exceção é o Universos breves: antologia do microconto de língua espanhola, publicado no Brasil pela editora Cobogó em 2022.

 

Algumas hipóteses sobre a menor adesão aos contos – e em especial aos microcontos – surgiram quando terminei a leitura dessa obra. E estão relacionadas ao que já vínhamos observando:

1) É mais difícil se envolver com tramas e personagens tão breves.

2) O experimentalismo não é para qualquer leitor.

3) Os microcontos, de modo geral, não passam de uma simples ideia.

Esta última foi a que mais me pegou. Em especial porque, em vez do livro completo de um escritor, li uma coletânea que apresenta 39 autores diferentes, com cinco textos cada. Uma miscelânea e tanto.

Digo por experiência própria: meu livro O belo e a besta, embora não tenha somente contos, reúne textos curtos que, a meu ver, encontram seu pleno potencial no conjunto. Lê-los isoladamente não é a mesma coisa. Um deles, por exemplo, é uma lista de expressões populares cujos termos se associam ao mundo animal. Uma lista. Que naquele contexto ganha outros sentidos. Tanto que não entendo esse livro como uma coletânea, mas um projeto cuja coerência e interesse surgem enquanto o leitor percorre as páginas e cria conexões entre as cenas.

Não sei se cada microconto no Universos breves vem de um livro como o meu. Suponho que não. E isso significa que, de fato, aqueles textos não conseguem nos levar para muito além das suas poucas linhas. Podem se constituir de uma frase de efeito, uma tirada bem ou mal-humorada, um lampejo, um jogo de significados. Cuja graça também fica, assim, limitada.

E por que isso acontece? Notei que microcontos tendem a prescindir de elementos fundamentais da narrativa, seja personagem, tempo, espaço, narrador ou, na maioria das vezes, enredo. Se tais elementos são chamados de fundamentais, é porque fazem falta quando ausentes, em especial pela identificação que criam – ou não – com quem lê. Aliás, abrindo mão disso, será que ainda podem ser chamados de contos?

Vou deixar o debate aberto. Chamo atenção apenas para que, sem poderem desenvolver profundidade psicológica, microcontos apresentam personagens que mais parecem figuras manipuladas, submetidas ao desejo do autor. Sem conflitos complexos, suas histórias rumam para o chiste ou o arroubo de linguagem. E assim por diante.

A consequência é que os microcontos, em geral, são fracos se comparados ao prazer estético proporcionado pela literatura mais convencional. Naquela mesma matéria, Piquet cita o fato de muita gente afirmar que “um romance, e não um livro de contos, marcou e foi fundamental em sua vida”. Improvável que microcontos ganhem essa relevância. Mas será que querem? Ou sua pretensão é mesmo descontrair, acender uma faísca, quem sabe apontar algo inusitado?

Ainda assim, penso que microcontos poderiam resultar em uma experiência das mais radicais, e estaria aí um desafio aos escritores: superar a condição de argumento não desenvolvido, ou de jogo de palavras com fim em si mesmo.

Outro ponto interessante nisso tudo são os meios de circulação que o formato encontra. Pois, se os livros são raros, as redes sociais estão repletas desses textículos. Veja o exemplo das Histórias bermudas, perfil que Nathalie Lourenço e Rafael Zoehler mantêm no Instagram. Há inúmeros mais.

Mesmo tendo sua força na economia dos meios narrativos, é sempre um desafio dizer se o conto – ou microconto – está na medida certa. E, se a brevidade destes tem seus problemas, muito pior é ser professor de escrita de contos e ouvir que um leitor não está nem aí para ficção que não seja romance.

No caso daquele colega de trabalho – que acabou provocando este artigo, veja bem –, o que fiz foi enviar uma lista de livraços de contos para ele conhecer. Fiz por vontade própria, sem que me fosse solicitado. A conversa se encerrou assim. Vamos ver se a amizade terá próximos capítulos.